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오경영 1970 - 2008 출판 및 전시

* 인천전 / 구올담 갤러리 2008.6.14 -27
초대일 2008.6.14(토) 오후 6시

*부천전 / 복사골 갤러리 2008.6.20 -25
오경영 서울 전통가옥 판각전

*서울 / 바움 아트갤러리 2008.6.20 -26
초대일 2008.6.20 오후6시

오경영(미국 714-732-1452)

FULL SIZE Total GELLERY	1970년대 작품 GELLERY	1980년대 작품 GELLERY
1990년대 작품 GELLERY	2000년대 작품 GELLERY	Animation Tiger Woodcut Process
* 상기 Gellery 작품들은 이미지 다운로드 때문에 스피드가 낮은 모뎀에서는 약 1분에서 2분정도 기다려야합니다 (모뎀스피드에 의해 다소 다를수도있음)

김종길 오경영의 목판화(3) 예술가에게 있어 자신이 추구하고자 하는 예술가치의 힘은 어디에서 나오는 것일까? 이 질문에 하나의 답을 가진 예술가가 있을까? 대부분은 삶과 의식, 사유와 관념, 세계와 우주 같은 여러 폭의 다양성을 얘기할 것이고, 그 확장의 결들 속에서 자신을 위치 세울 것이다. 어찌 보면, 예술가들이 꿈꾸는 욕망의 기저에는 무한한 상상의 발현이 솟구쳐 오르고 있으며, 미지의 심해처럼 아직 닿지 않은 곳의 창조적 어둠이 빛으로 들어 날 순간을 기다리고 있는지 모른다. 어린 아이와 같이 오경영의 작업실 가는 길은 무척이나 더웠다. 부천의 옥탑 작업실을 찾고자 했으나, 작품이 판에서 그림으로 다시 탄생되는 공간을 보고 싶어 봉천동 근방의 작업실을 택했다. 이곳에는 프레스기를 비롯한 그동안의 판각이 보관되어 있었다. 작업실은 사촌이 경영하는 수퍼 안으로 들어가 지하계단을 통해 내려가야 있는 매우 독특한 공간이었다. 깊이가 있어 한 여름에도 긴소매 옷을 입어야 할 만큼 서늘하다고 했는데, 실제로 인터뷰를 진행하는 동안 작가는 더운 꿀물을 준비했었다. 오경영은 이른 나이에 그림을 시작했다. 그림을 잘 그리면 장학금을 받을 수 있다는 것이 동기였다. 가난이 오히려 그를 작가로 만든 셈이다. 그가 소중하게 간직하고 있는 오래 된 자료를 보면, 이미 중, 고등학교 시절부터 작가로의 수습단계가 있음을 알 수 있다. 초기이지만 신앙에서 발로된 추상의 이미지들이 표출되고 있기 때문이다. “8평의 방에서 8명이 살았던 적도 있어요. 세 번이나 집안이 몰락해 아주 가난했습니다. 저는 예고를 다녔는데, 같이 다니던 애들과는 달랐죠. 그때는 그림만 잘 그리면 장학금을 주었기 때문에 정말 열심히 그렸습니다. 하지만 곧장 대학엘 가지 못했죠. 군 제대 후 10평짜리 화실을 한 적이 있어요. 대학 졸업장이 없으니 학생들이 안 오더군요. 그래서 국전(대한민국 미술대전)을 준비했죠. 물감을 살 돈이 없어 여기저기서 구해다 페인트용 신나로 녹여 작업을 했어요. 심리적 부담이 커서 몸이 45kg까지 마르더군요.” 그는 이 순간 죽음을 체험한다. 현실에서 오는 거짓 삶과 신앙에 대한 괴리도 한몫 했다. 그래서 모든 것을 포기한다. 포기하고 나니 그렇게 홀가분할 수 없었다는 그는 이때의 과정을 ‘거듭남’이라고 힘주어 말한다. 그리고 고등학교를 졸업한지 10년 만에 대학에 들어갔다. 1988년 윤 갤러리에서의 첫 개인전은 이렇게 삶의 거듭남과 독실한 신앙의 이미지들로 가득하다. ‘환상의 구조’라 명명한 작품들은 쏟아져 내리거나 침투해 오는 강렬한 빛과 힘찬 선 긋기로 표현된 색채, 원과 수평, 수직으로 이뤄진 형이상학적 문양으로 채워졌는데, 절대자에 대한 온전한 믿음의 증거들이다. 1987년, 친구의 소개로 어느 유치원의 미술선생을 한다. 그런데 여기서 아이들이 그린 그림을 보고 깜짝 놀란다. 겨우 4~5세의 아이들인데, 너무나 순수하고 생명력이 넘치며 창의적이었던 것이다. 그는 이때부터 이들이 그린 그림들을 모아 연구하기 시작한다. 그러나 자신의 작업적 형식으로 받아들여 발표하지는 못했다. 몇 몇 작품에서 간간히 내비치기는 했으나 본격적으로 대중 앞에 드러낸 것은 두 번째 개인전(1995년)에서였다. ‘숨결-숲에서’라는 주제로 기획된 이 전시는 그의 작품세계를 가름하는 중대한 계기가 된다. 먼저 눈에 띄게 달라진 점은 끌칼을 주로 사용한다는 점이다. 끌칼은 목판에서 여백공간을 마무리하거나 다듬을 때 쓰는 것 외에는 사용하지 않는 칼이다. 그런데 그는 형상을 깎는 것에서 여백처리까지 대부분 끌칼을 쓴다. 그래서 판화로 찍어져 나온 그림에는 매우 독특한 태점들이 난무한다. <동방의 소리>를 보면 두 개의 탑 사이에 무수한 태점들이 여백을 채우고 있음을 볼 수 있다. 그러나 결코 여백의 힘은 줄지 않는다. 오히려 태점은 묘한 긴장상태를 조성하며 여백을 팽팽하게 확산시키고 있다. <월광소나타>는 태점을 가장 완벽하게 표현한 그의 대표작이라 할만하다. 피아노를 치는 인물의 손이 거미 손처럼 여러 개로 나눠져 길어지고 있는데, 여백의 수평에는 음율의 태점들이 흐르고 있다. 형상을 규정하는 선들도 불규칙적이고 굵어서 크레파스를 꾹꾹 눌러 그린 아이들의 그림과 흡사하다. <숨결-문 밖에서>는 태점의 극치이다. 두 번째는 유희적인 선들이 작품의 희화성을 한껏 끌어 올리고 있다는 점이다. 유쾌한 상상으로 가득 찬 그림 속 이미지들과 어울려 자유롭게 교차하는 선들은 그의 ‘흥얼거림’과 다르지 않다. 그는 목판에 직접 드로잉을 하는데, 드로잉 순간순간 화면 속 인물(동물)의 이야기를 구성하며 스스로 즐거워 자유로운 선을 그려 넣는 것이다. 그 순간 그는 ‘어린아이’가 되어 있다. 그것은 어떤 잡다한 의지들이 개입하지 못하는 순수의 상태이며, 바람과 물과 같이 자유로이 흘러가는 투명한 의식의 지점인 것이다. <숨결-숲에서>를 보면 곤두박질하는 새와 더불어 화면 전면에 등장하는 선을 볼 수 있다.세 번째는 새, 두더지, 호랑이, 말, 닭, 소와 같은 동물들이 등장하고 있는데, 의인화된 상징체로 개별적 이야기를 담고 있다는 점이다. 이는 이 시기를 기점으로 지속적으로 끌어오고 있는 작가의 의지이다. 내용을 보면, 현실 참여적인 메시지가 강하다. 신앙의 측면에서 그는 ‘순수’의 상태를 찾았고, 현실과 관계에선 ‘사랑’을 실천하려 하기 때문이다. 마지막으로 그의 작품에서 빠뜨릴 수 없는 것은 1998년 「경주세계문화expo기획전, 천년의 향기-경주」展과 이듬해 「새로운 천년-하회와 안동」展을 위해 제작된 작품들이다. 전통에 대한 시각과 해석이 참신하고 독특하다. 이는 ‘까치 호랑이’시리즈 작품들에서도 마찬가지다. 이때 제작되고 멈춰 서 있는 것이 못내 아쉽다. 흐르는 물과 같이 예술가로서 청빈한 삶을 산다는 것이 쉬울까? 두 작가를 만나고 돌아오면서 느낀 공통된 생각이다. 그들은 현실에서 밀려난 극한 지점에서 예술가의 길을 선택했다. 그리고 예술과 더불어 ‘신앙’ 또한 견고하게 쌓아 올렸다. 지금 이들이 보여주는 작품들은 내적으로 충만한 예술의지이다. 신앙의 발로가 십자가라든지 하는 것에 얽매여 있지 않다. 초기 작품들에 자주 등장하는 소재였으나 지금은 보여 지는 ‘실재’에 더 근접해 있다. 껍데기가 아닌 내부의 소리를 듣기 때문이다. 그래서 이들의 눈빛은 ‘청빈’한자의 맑음으로 가득하다. 그리고 일천한 목판미술계에서 이들의 색다른 작품세계는 크나 큰 자산이 아닐 수 없다. * 경기문화재단에서 발간하는 기전문화예술

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